Что такое дизайн костюма

Костюмы могут быть предназначены для театра, кино, музыкальных представлений, косплея, вечеринок или других мероприятий. 

История дизайна костюма

Древнегреческие сельские фестивали и шествия в честь Диониса считаются источником театра и, следовательно, театрального костюма. Скульптура и вазовая живопись дают самые яркие свидетельства этих костюмов. Использовались ритуальные маски, придавая каждому персонажу определенный облик. Они различались в зависимости от того, использовались ли они для комедийных или драматических целей. Некоторые маски были созданы с веселой и серьезной стороной на одном и том же лице, чтобы попытаться указать на смену эмоций без смены маски.  

То же самое относится и к римлянам, которые продолжили традицию масок; дублирование маски облегчало дублирование ролей. 

В эпоху позднего Средневековья в Европе были распространены драматические постановки библейских историй. В качестве костюмов носили настоящие христианские облачения, стилизованные под традиционную византийскую придворную одежду, чтобы сделать представления максимально реалистичными. Стереотипная характеристика была ключевой при выборе одежды для исполнителей этого стиля театра. В большинстве случаев актерам приходилось предоставлять собственные костюмы, когда они играли персонажей, встречающихся в повседневной жизни. 

Позже, в елизаветинских театральных постановках XVI-XVII веков в Англии, костюм стал самым важным визуальным элементом. Одежда была очень дорогой, потому что использовались только самые лучшие ткани. Большинство персонажей были одеты в современную елизаветинскую моду. Костюмы можно разделить на пять категорий: «Древние», которые были вышедшей из моды одеждой, использовавшейся для представления другого периода; «Античные», более старые дополнения к современной одежде, чтобы отличать классических персонажей; «Сказочные», «причудливые» одежды для сверхъестественных или аллегорических персонажей; «Традиционные» одежды, которые представляли только несколько конкретных людей, таких как Робин Гуд, или «Национальные или расовые» костюмы, которые предназначались для выделения определенной группы людей, но не имели тенденции быть исторически точными. 

До 1727 года модная одежда использовалась как в комедии, так и в трагедии. В этот год Адриенна Лекуврер приняла гораздо более изысканное и официальное придворное платье для трагедии. Ее практика вскоре стала стандартной для всех трагических героинь. Главные актеры начали соревноваться друг с другом за то, у кого будет самое роскошное сценическое платье. Эта практика продолжалась примерно до 1750-х годов, когда костюмы снова стали актуальны для персонажа. Искусство начало копировать жизнь, и реалистичные характеристики были предпочтительны, особенно в XIX веке. 

Например, Георг II, герцог Саксен-Майнингенский, проявил личный интерес к театру и начал управлять труппами. Он выступал за подлинность и точность сценария и периода времени, поэтому он не позволял актерам вмешиваться в свои собственные костюмы. Он также следил за тем, чтобы материалы были подлинными и конкретными, используя настоящие кольчуги, доспехи, мечи и т. д. Никакие дешевые заменители не допускались. 

В августе 1823 года Джеймс Планше опубликовал статью в журнале The Album, в которой утверждалось, что пьесам Шекспира необходимо уделять больше внимания с точки зрения временного периода, особенно костюмам. 

В том же году случайный разговор с Чарльзом Кемблом, управляющим Ковент-Гарден, привел к поворотному моменту в карьере Планше. Он заметил, что, несмотря на значительные расходы на другие постановки, пьесы Шекспира ставились с самодельными декорациями и минимальным количеством новых костюмов. 

Кембл увидел возможность улучшить спектакли и согласился предоставить Планше контроль над костюмами для предстоящей постановки "Король Иоанн", если тот проведет исследование, разработает костюмы и возьмет на себя режиссуру. 

Несмотря на то что у Планше был небольшой опыт в этой области, он обратился за помощью к антикварам, таким как Фрэнсис Дус и сэр Сэмюэл Мейрик. Исследования разбудили в нем интерес к антиквариату, который со временем стал занимать все большее место в его жизни. 

"Король Иоанн" имел успех, несмотря на сомнения актеров. Постановка привела к серии других костюмированных постановок Шекспира Кемблом и Планше, включая "Генрих IV, часть I", "Как вам это понравится", "Отелло", "Цимбелин" и "Юлий Цезарь". 

Эскизы и визуализации для "Короля Иоанна", "Генриха IV", "Как вам это понравится", "Отелло", "Гамлета" и "Венецианского купца" были опубликованы, хотя нет никаких доказательств того, что "Гамлет" и "Венецианский купец" когда-либо ставились с исторически точными костюмами Планше. 

Планше также написал ряд пьес или адаптаций, которые были поставлены с исторически точными костюмами. 

После 1830 года он продолжал использовать исторические костюмы, но больше не стремился к полной исторической точности. Его работа в "Короле Джоне" инициировала революцию в театральной практике XIX века, которая длилась почти столетие. 

В 1923 году в Бирмингемском репертуарном театре Барри Джексона в Англии открылась первая из серии новаторских современных постановок пьес Шекспира «Цимбелин» под руководством Х. К. Эйлиффа. 

Костюмы в китайском театре, особенно в Пекинской опере, играют очень важную роль. Обычно они сильно украшены узорами интенсивных, ярких цветов. Стандартный костюм состоит не менее чем из 300 предметов и указывает на тип персонажа, возраст и социальный статус актера с помощью орнамента, дизайна, цвета и аксессуаров.  Цвет всегда используется символически: красный для верности и высокого положения, желтый для королевской власти, темно-малиновый для варваров или военных советников. Символическое значение также обнаруживается в дизайне, используемом для эмблем. Например, тигр символизирует власть и мужскую силу. Большая часть одежды, независимо от ранга, сделана из богатых и роскошных материалов. Макияж также используется символически и завершает общий образ. 

В японской драме Но маски всегда используются и являются выдающимся аспектом костюма. Они сделаны из дерева и обычно служат поколениями. Существует пять основных типов: мужские, женские, старые, божества и монстры, все с множеством вариаций. Маски часто меняются на протяжении всей пьесы. 

В Кабуки, другой форме японского театра, актеры не носят маски, а в значительной степени полагаются на грим для создания образов. Черты лица преувеличены или удалены, а для некоторых атлетических ролей мускулатура обрисована в определенном узоре. Традиционные костюмы используются для каждой роли, основанные на исторических одеждах, которые изменены для драматического эффекта. Некоторые костюмы весят до пятидесяти фунтов, и сценические служители помогают актерам правильно размещать их на сцене. 

Костюмы в XXI веке 

В 21 веке цифровые технологии открыли новую эру в дизайне театральных костюмов. Традиционный ручная работа с выкройками и шитьем  дополняется возможностями 3D-печати, программного обеспечения для моделирования и другими цифровыми инструментами.  Это ведет к более эффективному созданию костюмов. 

Использование программного обеспечения для 3D-моделирования и 3D-принтеров позволяет дизайнерам оптимизировать использование материалов, сокращая затраты за счет более дешевых альтернатив, созданных с помощью печати.  Кроме того, эти технологии экономят время: модели можно корректировать в режиме реального времени на основе обратной связи, а виртуальные примерки и цифровое шитьё ускоряют процесс. 
Процесс проектирования 

Несмотря на жанровые особенности, большинство театральных проектов костюмов следуют общему шаблону: 

1. Анализ:  Первым шагом является тщательный анализ сценария, музыки, хореографии и других элементов постановки. Определяются параметры костюмов для шоу, создается примерный сюжет костюма. Сюжет костюма – это дорожная карта, описывающая появление каждого персонажа в каждой сцене, момент смены костюмов и костюмы, упомянутые в сценарии. 

2. Сотрудничество в дизайне:  Важной фазой является встреча всех дизайнеров с режиссером. 
Цель встречи – достичь четкого понимания общей концепции шоу. Дизайнеры должны быть на одной волне с режиссером по поводу тем и сообщений, которые они хотят донести до зрителей. 

3. Исследование костюма: После того, как режиссер и дизайнеры достигли общего понимания, художник по костюмам начинает этап сбора информации. Он обычно погружается в исследование мира, в котором происходит пьеса, чтобы установить его правила и лучше понять персонажей. Затем дизайнер проводит глубокое исследование каждого персонажа, пытаясь определить его личность через костюм. 

4. Предварительные наброски и цветовая гамма: Получив достаточное количество информации, художник по костюмам начинает создавать предварительные наброски. Сначала он делает быстрые, грубые эскизы, чтобы получить общее представление о внешнем виде спектакля и соблюдении правил мира. Затем он переходит к более детальным наброскам, определяя конкретные костюмы и цветовую гамму для каждого персонажа. Эти наброски помогают увидеть спектакль в целом без чрезмерных затрат времени. 

5. Финальные наброски: После того, как художник по костюмам и режиссер согласовали костюмы и идеи, дизайнер создает финальные наброски, также называемые визуализациями. Обычно они рисуются акварелью или акриловыми красками. Финальные наброски демонстрируют, как дизайнер представляет себе персонажа, включая цвета его костюма. 

Производственный процесс 

После того, как дизайн спектакля готов, наступает этап планирования закупки необходимых предметов гардероба. Существует четыре основных варианта: 

• Подбор: Использование готовых элементов из коллекции костюмов. 
       
• Аренда: Взятие костюмов напрокат у специализированных компаний.
       
• Покупка/Закупка: Приобретение новых предметов одежды.
       
• Изготовление: Создание костюмов с нуля по индивидуальным меркам.     

Конструирование одежды: 

Для создания костюмов используются два основных метода: 

     Выкройка:     

Создание выкроек на основе базовых блоков, разработанных с учетом антропометрических данных актера. Выкройки сначала рисуются на бумаге, затем переносятся на ткань и сшиваются для примерки. 

     Драпировка:   

Формирование костюма из куска ткани на манекене, который соответствует размерам актера. Этот метод подразумевает манипуляцию тканью, разрезание и закрепление ее на манекене для достижения желаемой формы. 

Часто оба метода используются в сочетании друг с другом. 

Финальная доработка:

Даже после создания костюмы продолжают "работать" – важно учитывать их влияние на игру актеров и их взаимодействие с пространством сцены.  Лучшие художники по костюмам продумывают свои идеи, учитывая визуальные и пространственные условия спектакля.